背后有故事的名画「绘画背后的故事」
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绘画的创作是一个复杂的过程，它需要具备相当多的绘画知识、绘画技巧、逻辑思维及空间感。一幅好的绘画作品可以当作是创作者技巧、经验、思想等方面的一次大集合和检阅。
对于普通人来说，名画是一种艺术品，它高高在上，是与我们生活相距很远的阳春白雪。
其实，欣赏名画不必正襟危坐，也不八卦吐槽，只需要换一个角度，就能欣赏这些人类文明中的瑰宝。
扬·凡·艾克是北欧文艺复兴时期最杰出的画家，在他之前，北欧没有人从事世俗人物肖像创作，《阿诺菲尼夫妇》是他于1434年创作的名画，开创了世俗人物肖像的先河，也笼罩着一层厚厚的迷雾。
长久以来，这幅画中的情景都被认为描绘的是一场婚礼，并有推测认为画中主人公可能是意大利商人乔万尼·阿尼乔·阿诺菲尼夫妇。
《阿诺菲尼夫妇》
1997年，英国艺术理论家玛尔卡涅特·科斯捷尔指出，阿诺菲尼夫妇是1447年结的婚，而这幅画是画家在他们婚前13年完成的，时间对不上，因此科斯捷尔认为，画家画的有可能是阿诺菲尼的堂兄乔万尼·尼科朗和他的妻子。
但是也有评论家认为，这并不是婚礼的场景。按照当时的风俗，新郎应该右手按着新娘的左手，可是画面中却正相反。并且，画中的男人戴着帽子，套着披肩，这都不是结婚时的打扮。
还有一种解释认为，这是一名皇族男子与非皇族女子的结合，当事人一定存在着某些婚后财产问题，新郎的目光投到地板上，最大的可能是，他在说服自己。
自《阿诺菲尼夫妇》问世以来，经历了欧洲社会近6个世纪的动荡不安，而这幅油画却奇迹般地完好无损，保存至今。
15世纪的时候，这幅画为一个西班牙贵族盖瓦尔所拥有，当时西班牙占领了芬兰，他将画赠送给西班牙的一个女修道院副院长玛尔卡尼特·阿弗斯特妮伊斯卡。阿弗斯特妮伊斯卡去世后，人们根据她的遗嘱，将画转交给玛尼亚·维盖尔斯卡，这幅作品又跟随新主人来到了马德里。
拿破仑战争结前，《阿诺菲尼夫妇》一直被装饰在西班牙的皇宫里，1815年，英国将军哲姆斯·赫依在布鲁塞尔看到了它，以非常低的价格购买下来运到了伦敦，直到1842年，伦敦国家展览馆才对外展示出来。
画中各种物品都有着象征意义，其中最引人注目的是那面镜子，象征着上帝洞察一切的慧眼。它反映出室内全部的场景，并给画面带来某种神秘的氛围。在镜子之中还映出两个人像，其中一个是画家凡·艾克自己。在镜子上方的中间位置有个拉丁文的签注：“扬·凡·艾克曾在此”证明了这一点。
镜子外圈的十个圆形环饰中，细致地画有十个圣经故事，其中八幅是耶酥受难图，另两幅描绘了耶酥复活后的故事，象征着人生短暂易逝。
【▼扬•凡•艾克作品欣赏：圣母子与首相罗林▼】
扬•凡•艾克 圣母子与首相罗林 1437年
02.达利代表作《记忆的永恒》中的孤独悲伤1437 年 木板油画 66cm×62cm 巴黎卢浮宫
扬•凡•艾克，尼德兰文艺复兴的奠基人。这幅画造型严谨，人物刻画生动，在肖像画领域开创了一个难以超越的先河。画家对空间、光线、细节、质感的高超把握，让画达到了最大的真实感 , 在这样精雕细琢的环境当中又不失其庄严华贵的风采。
《记忆的永恒》创作于1931年，是达利最有代表意义的作品之一。在这幅画中，达利创造了具有标志性的时间形态：软化的钟表，这也是达利对于时间的另外一种理解。
很多人表示，这幅画的内容令人费解。
斜阳夕照的天空下是寂静荒凉的海滩，一棵被砍光的橄榄树剩下了唯一的细枝，上面挂着一只软塌塌的钟表。
《记忆的永恒》
除此之外，还有两块变形软化的钟表无力地垂落，只有台阶上的一块红色的怀表看起来比较正常，但上面却爬满了蚂蚁，看上去像一块腐烂的肉，象征着能引起人们强烈兴趣的事物，鲜艳却肮脏，可以霸占人们强烈的记忆，不会随着时间流走。
有评论家认为，这是画家的一种暗示：光鲜的外表之下往往都是肮脏的内核，人们总是喜欢对光彩夺目但其实污秽不堪的事物进行追求。
诚然，人们总是热烈地追求欲望，最终得到的是扭曲和腐烂。在现实生活中，这往往体现为对物质的过分追求和向往，并由此产生了种种的恶行。
在达利创作这幅画的时期，正处于经济危机，社会当中充斥着各种欲望，那些美好而平静的真实反而往往被人们忽略。
美好和平静的事物在整个画面当中要么已经远去，要么已经呈现出一种软化的即将流逝的状态，这对当时社会来说，无疑是一种悲哀。
▼达利作品欣赏▼
名称：有烤培根的轻松自画像
【创作材质及尺寸：画布、油彩 61厘米×50.8厘米，收藏地点：私人收藏】
达利《有烤培根的轻松自画像》61厘米×50.8厘米
03.波提切利代表作《春》表达的美感《春》是波提切利的代表作品，取材于当时著名的诗人波利齐亚诺的长诗《比武篇》。
几百年来，它的优美收获了不计其数的赞叹。
画面上是一群神话人物。最左边是众神的使者墨丘利，他手持法杖驱散冬天的乌云；画面中心是维纳斯，她的三个侍女“美”、“纯洁”和“欢悦”正在翩翩起舞；蒙着眼睛的小爱神丘比特在维纳斯的头顶上方飞翔；最右边是风神塞弗洛斯、山林女神克洛利斯和花神弗洛拉，塞弗洛斯强掳克洛利斯为妻，克洛利斯惊叫着想逃走，可是张开的嘴里却冒出鲜花，随后她变成花神弗洛拉，身着盛装为大地洒下美丽的鲜花。
波提切利《春》
这幅画中女神的原型是当时佛罗伦萨著名的美女西莫内塔·卡塔西亚，22岁那年，她在美第奇家族举行的选美会上当选为女王，随即成为波提切利的模特儿，波提切利以她为原型创作了大量的绘画作品，为此得到了美第奇家族的赏识，成为他们的御用画家。
然而不幸的是，这位美人在成为模特的当年就死于肺病。据说出殡时不用棺材，而是仰卧车上，全城人都前往瞻仰，观后无不悲哀痛惜。波提切利非常喜欢这个模特儿，甚至在她死后多年，她的样子依然在画家的作品中不断重现。
《春》的背景是一片橘子树林，地面上布满了鲜花，据说包括风信子、蔷薇、康乃馨在内共有四十多种花，这些花都是在春天开放的，甚至花神弗洛拉的衣服也绣上了各种花饰。
文艺复兴时期，意大利的绘画是不太重视风景描绘的，如此大费周章地描绘鲜花，在当时实属罕见，也正因如此，这幅画才成为备受追捧的名画。
【▼桑德罗•波提切利作品欣赏 《持石榴的圣母》▼】
波提切利 持石榴的圣母 1487 年 木板蛋彩佛罗伦萨乌菲齐美术馆
04.蒙克代表作《呐喊》里压抑的绝望1487 年 木板蛋彩 直径143.5cm 佛罗伦萨乌菲齐美术馆
画中人物众多，但是看起来却不像是圣婴诞生的喜庆场面，反而弥漫着异样的气氛，令人遐想 。圣母肃穆的表情中带着忧郁，她怀中的圣婴庄严神圣，环绕在四周的天使们一筹莫展。这种人物神态形成了波提切利独特的艺术风格。
1892年，蒙克在柏林举办个人画展。当时一些群众无法接受蒙克作品中那些怪异丑陋形象，愤怒地捣毁了几件作品，这就是美术史上所谓的“柏林丑闻”，又称“蒙克事件”。
从那以后，蒙克的支持者与反对者展开了激烈的争论与对峙，并出现了柏林分离派运动。这使得蒙克在德国成为广受民众关注的对象。于是，蒙克在柏林长期居住下来，创作出一大批有关疾病、死亡、性、孤独、压抑、恐惧的作品。
其中最著名的就是《呐喊》。
蒙克《呐喊》
据文献资料记载，《呐喊》描绘的地方是挪威的奥斯陆，那里有一所专门收留女性精神病患者的奥斯陆医院，站在画中的位置便可以听到来自精神病患者的尖叫。医院附近还有一个屠宰场，不时传来动物的哀嚎声。当这两种声音交杂在一起，任何人听了都会产生一种负面情绪。
蒙克曾经在日记中这样描述这幅画的创作背景：
“我和两名友人在落日余晖中散步，心中感到一股淡淡的哀愁，突然天空变得一片血红，我停下脚，疲惫地靠在栏杆上，凝视着像剑尖鲜血般悬挂在阴暗峡湾和城市上空的云彩，我的朋友已经走了，我全身颤抖地站在原处，仿佛听到一声尖锐的呐喊，划破寂静。”
于是，蒙克画了一个让人毛骨悚然的形象：他的躯干极度扭曲变形，脸像个骷髅，没有头发，身材消瘦，双眼和张着的嘴都大如空洞，一眼看上去就让人感觉鬼气阴森、焦虑不安。他捂着耳朵，似乎看不到两个远去的路人的背影，也看不见身后的两只小船和路边的树木。他与现实世界完全隔离了，完全沉浸在极度的恐惧中。他像一个尖叫的灵魂，因惊惧于黑暗的侵噬而呐喊。
蒙克没有把使他害怕的物体表现出来，但是画面中传递出了一种强烈的恐怖气氛。空中仿佛有一个巨大的旋涡要将整个世界吞没，鲜血般的红色天空和黑色的水面让人联想到流血和死亡，这是一个失去再生能力的冰冷的世界。
【▼蒙克作品欣赏 《桥上的少女》▼】
创作材质及尺寸：画布、油彩 136厘米×126厘米
收藏地点：奥斯陆，挪威国家美术馆
蒙克《桥上的少女》，收藏地点：奥斯陆，挪威国家美术馆
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-作者用通俗的语言，讲解艺术作品中的知识点，可谓雅俗共赏，老少咸宜，打破了传统美术读物因过于专业化而曲高和寡的弊端。
所有美好的事物，都能带给人心灵的感动；欣赏名画，正是这样的美妙时刻。
文/喵发财咪
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