如何理解西方现代艺术是一种实验艺术「美术」

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实验性美术.20世纪前半叶

<形式的无穷奥秘 — 立体主义的进一步探索>

除了这种立体主义式的形式结构，另外还有一种曾经创造了奇形怪状的史前生物和深海动物的迷幻世界的神秘力量也同样活跃在艺术家的心灵之中。在保罗.克利(Paul Klee)的作品《小矮人的小故事》中，我们可以观察到这个矮人具有原始神话图腾一般的变形，而他的头部则叠加在上面那张较大面孔的下部。

令人惊奇的是这幅画并非经由充分腹稿与谋划而成，而是保罗克利在对形状的排布之中随机应变逐步产生的。许多怀有克利类似信念、相信自然本身即具有创造性的现代艺术家认为，企图进行有意识的控制是错误的，应该允许作品按照它本身的法则去生长。

美国艺术家莱昂内尔.法宁格(Lyonel Feininger)提出了一项独特的巧妙设计，用重叠的三角形构成画面，三角形仿佛是透明的，表现出一系列层次。从他画的帆船比赛中，我们看到这种方法不仅能表达出空间感，而且能表达出运动感。

罗马尼亚雕刻家康斯坦丁.布朗库西(Constantin Brancusi)致力于用立体形式表现出“吻”的群像。创作过程中，他以最大努力去简化雕塑的细节，仿佛他想弄清楚雕刻家可以保留多少原来的石块，而仍能把它转为一组人像。

正如康定斯基最终决定用斑斓纯粹的色彩和天马行空的形状表达激烈的感情，皮特.蒙德里安(Piet Mondrain)则决定用最纯粹的直线和最简单的色彩以反映宇宙的客观法则。蒙德里安渴望一种具有清晰性和规则性的艺术，想让他的艺术去解释在主观性外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。

本.尼克尔森（Ben Nicholson）专门研究圆形和长方形之类的简单形状，他将这些几何形状放在白板上，并且施加不同的深度。在他看来艺术和宗教体验是同一事物，而他努力透过纷繁的外形去寻找根本的“实在”。

亚历山大.考尔德(Alexander Calder)认为这种关于形式的艺术不应该仅仅是僵硬和静止的，宇宙在不停运动，同时又被神秘的平衡力量所约束在一起。这样的理念鼓励考尔德开始了“活动雕塑”的创作，他把各种形状、各种颜色的东西悬挂起来，让他们在空中旋转与摆动，以探索在运动中微妙的平衡感。

自毕加索和布拉克的立体主义开始，人们逐渐洞察色彩和形状的奥秘，这种方法无论多么微妙、多么引人入胜，终究使另一部分艺术家感到空虚。如果现代艺术的兴趣既不在“题材”又不在“形式”，还有什么是值得探索的呢？